時先生與他的情人

—— 一部用5年時間精煉呈現的話劇

記者：EVA CHAN

歷經五年時間沉澱，從階段性呈現、經過不斷試驗和修正，發展成為獲邀到多倫多渥太華進行五十場演出的《時先生與他的情人》，由澳門小城實驗劇團、澳門點象藝術協會及多倫多MUSIC PICNIC聯合製作，在國際性舞台上大放異彩，更打破本地劇場的劇場生態。

《時先生與他的情人》（下稱《時》）源自一個真實故事，講述外交官布林西科（下稱”布”）在北京法國大使館工作期間，認識京劇演員時佩璞（下稱”時”），兩人墮入愛河，展開長達二十年的中法之戀的故事。作家黃哲倫亦曾以此創作話劇《蝴蝶君》；而《時》的導演譚智泉及音樂總監楊光奇認為此故事有很多值得深掘的問題，便希望以其製作音樂劇場，由本地作家黃庭熾編寫文本，於2013年展開創作。

《時先生與他的情人》劇照

摒棄傳統 讓劇本隨時間發酵

如何寫成《時》現在的版本，是一個漫長的發酵過程。在撰寫文本初期，編劇寫了幾個素材，讓大家一起討論，哪段能夠讓表演者覺得最深刻的，就可以繼續保留發酵，繼續去考量這一段能否轉化成音樂形式表演，觀眾能否看得明白等。第一稿完成後，導演認為角色獨白寫得很好，覺得不需要拘泥於傳統劇本的對話模式，著重以人物內在世界去描述便可，也可直接唱出文本。其後，劇本幾乎全部重改，重新寫了十個場次的獨白，並選擇當中五個場次作為2013年第一次呈現。後來，隨著觀眾意見及團隊在演後的反思，往後幾次呈現，文本都不斷修改，在挑選片段的過程中，會考慮是否有表演性，會不會太過迂迴晦澀；有時編劇看完表演後又會修改一些元素，繼而反覆討論。最終，《時》由最初的47分鐘，一路演變至七個場次的78分鐘版本。

《時》團隊於渥太華演出留影

精心堆砌 精煉呈現 

文本寫好，如何呈現，如何讓觀眾接受和投入，亦是考驗重重。由於布與時兩個角色的背後，都有著背負國家安全的責任，不能自由地追求生活的束縛，而當時的背景是文革時期，要還原故事的時代感、角色的底蘊，讓觀眾相信這兩個角色有血有肉，不是捏造出來，有一定的難度。而《時》這四年多的發展，都是以追求這種真實性而出發，如到北京學習京劇技藝，加強演員的京劇聲調、步伐等造詣；加強外交官的外語能力，提升英文及法文的表演多變性。

作為導演，怎樣以核心題材，將《時》從第一場發展到第七場是最困難，更需釐清每場戲的存在意義。確定後需要傳釋給演員，讓各人理解後才能繼續發展。因為劇本已經有足夠豐富的肉容，不需要太多舞台元素。故《時》的舞台呈現很簡約，且只有少數台位，精簡的道具，到最後版本，只有一張椅子、一個衣架、一個麥克風等。《時》第一場敍述兩人之間的予盾、過去經歷及爭拗，其後的場次均為獨白，真正的對話少之有少；簡約，卻能夠呈現出更多。

飾演時佩璞的演員阿佐坦言，時先生是一個很複雜的角色，處於一個複雜的身份及狀態，且他是一個京劇男旦，而第一次飾演京劇角色的阿佐，無論在哲學思想上，還是表演形式上，都花了不少時間去揣摩及鑽研。而如何投入角色的思考模式，才是真正要做的功課。因時先生真人已逝世，這故事只是時與布之間的秘密，在沒有任何參考資料下，阿佐只能靠自己的想像，去思考角色可能會擁有的情感及發生的事，去思考其聲音形態等。

《時先生與他的情人》劇照

《時先生與他的情人》劇照

《時先生與他的情人》劇照

極簡音樂元素 中西音樂融合

在音樂上，音樂總監楊光奇打破了常規的音樂劇風格，如極簡元素，結合中西樂器，以中國傳統打擊樂器鑼、拔、響板、京鼓，以及西方樂器鋼琴及馬林巴琴，加上演員的京劇唱腔，度身訂造為《時》創作出獨特的音樂。《時》共有兩位樂師，分別為楊光奇及黎如琪，黎以彈馬林巴琴出身，但當時得知要打戲曲的敲擊樂，仍有不斷練習。兩位樂師需要同時兼顧幾種樂器，笑言要左手彈琴，右手敲擊。隨著《時》不斷試演，便覺得如果想發展得更好，必須加強訓練。於是便向本地老師傅學藝，尋找更好聽又合適的樂器。

擔任劇場樂手與音樂會演奏的感覺很不同，因為樂師也同樣在舞台上，被觀眾看見。舉手抬足也成為戲的一部份，都可能影響演員，以至整個戲的氛圍，因此需要深思。舞台上的演員正在蘊釀情緒，樂師也要跟著入戲，在節奏及演奏力度也要相互協調，需有共識某個地方正在發生甚麼事等。那不只是演奏時的投入，而是整個人的呼吸要與整套戲的呼吸一致，黎坦言，參與《時》製作，令自己進步很大，過程中不斷反思是否可以做得更好。

欣賞《時》的觀眾

相互影響和成長 追求更精進 

在2013年到2015年，《時》分別於澳門、北京、香港、台灣及日本進行階段性呈現。劇組每年都會聚一至兩次，每次排練約兩個月並演出，讓《時》繼續發展下去。其餘時間各自有其他演出，均遇到不同人或事。正因為《時》有四年的時間演進，團隊的每個人都有各自的成長及思想的轉變，無論是導演的想法、角色的演譯、創作的思維，都促使大家互相影響，繼而讓劇目不斷進化。阿佐坦言，這一年一聚是仿如審視成長的時刻，看到戲的成長如同看到自己的成長。

直到2016年，大家有感是時侯要為《時》“上縲絲”了，便著意討論每個場次的結講，為劇目定調；之前的階段性呈演－－無論對唱、獨白、伴奏、無音樂、音樂配對白、音樂配唱歌等，都是各人給自己的任務。讓框架定下來後，便可以更加專心於更精進的角色演譯及各種技術層面的深化。

堅持想法 經歷磨練而蛻變

《時》源於當初想做一場音樂劇場的初衷，以楊光奇對音樂追求，這套戲的複雜程度，團隊也覺得肯定不能排練兩個月，演出一次便能做到大家理想中的效果。雖然一開始只是一些零碎片段，但不出發永遠不知道可以變成怎樣，當第一次呈現後，意外收到觀眾很多意見，也覺得還有很多空間發展，便決定繼續走下去。不過，阿佐有感本地劇場生態不習慣長期支持一個計劃，因此在資源及時間安排上亦遇過不少困難，然而，好的作品，值得堅持去做；亦因為堅持，才有今天的成績。

在未來，《時》希望能夠繼續於美國紐約的舞台上演出，《時》與法國有淵源，也希望能在法國登台。現時，整套戲已錄成原聲大碟，有較固定的節奏，不會大改。當然，那不代表沒有變化的可能。要找到當下的真實性，就要進入劇場，與演員及整個場所，一同共同經歷當下。